Las mejores 15 películas de ciencia ficción de la historia

La revista Rolling Stone sacó la lista de las 150 mejores películas de ciencia ficción de la historia, pero el orden no me gustó, por lo que seleccionamos las 15 que a mas nos gustan y creo que a ustedes también, podrás ver desde odiseas espaciales hasta Star Wars, desde invasores alienígenas hasta guardianes de la galaxia: 15 de las mejores películas de ciencia ficción que debes ver si o si.

¿Cuál es tu película de ciencia ficción favorita?

The Matrix (1999) – Matrix

Se suponía que la principal película de ciencia ficción de 1999 sería La amenaza fantasma, pero entonces surgió una verdadera locura que marcó la agenda para los éxitos de taquilla del próximo siglo. Matrix es una combinación deslumbrante de mensajes políticos radicales, secuencias de acción increíbles y una premisa brillante: el hacker anónimo Thomas Anderson (Keanu Reeves) descubre que está viviendo en una elaborada simulación orquestada por robots que han esclavizado a la humanidad; Naturalmente, sólo él puede detenerlo. Los cineastas Lilly y Lana Wachowski trajeron al mundo efectos visuales de bala y escenas de lucha con alambre, injertando una modernidad posmoderna en el viaje de un héroe clásico. Pero de manera igualmente significativa, aprovecharon la tensión de la cultura anterior al milenio, imaginando un futuro cercano aterrador en el que la humanidad sería gobernada por la misma tecnología que había creado.

Terminator 2: Judgment Day (1991) Terminator 2: El Juicio Final

Cuando salió esta secuela del clásico pulp de 1984 de James Cameron, parecía inimaginable que la inteligencia artificial pudiera llegar a ser lo suficientemente avanzada como para sembrar el caos y la confusión en todo el mundo; que los robots podrían convertirse en amigos de los adolescentes con fluidez en un sarcasmo memeable (“Hasta la vista, baby”); o que una computadora podría controlar la imagen de una persona para que parezca decir cosas que nunca dijo. Esos avances seguían siendo una farsa. Terminator 2 se centró en un viaje en el tiempo del despiadado androide de Arnold Schwarzenegger, desde 2029 hasta los años noventa, para proteger al adolescente John Connor (Edward Furlong) y asustar a su madre, Sarah Connor (Linda Hamilton). Los efectos CGI, como las transformaciones del feroz y viscoso T-1000 de Robert Patrick, parecían revolucionarios entonces, y todavía son impactantes hoy. La única diferencia es que ahora, si un robot con IA dijera: “Ven conmigo si quieres vivir”, dudarías de sus intenciones incluso más que Sarah Connor.

Star Wars (1977) – La guerra de las galaxias

No hace falta decir que la película de George Lucas, que resultaría no sólo el capítulo inaugural de una narrativa de varios episodios, sino una piedra de Rosetta para un I.P. universo que todavía está en progreso, ha tenido un impacto en la cultura pop. Sin embargo, no se puede subestimar la forma en que su fusión de series de Flash Gordon, epopeyas de peleas aéreas de la Segunda Guerra Mundial, películas del oeste, películas de samuráis de Akira Kurosawa y tragedia griega cambió la forma en que varias generaciones han consumido la ciencia ficción en particular; Desde el momento en que el descomunal Crucero Estelar Imperial cruzó la pantalla, persiguiendo a una nave rebelde, Star Wars aprovechó nuestra imaginación colectiva y nos vendió el poder de la ciencia ficción como entretenimiento de masas. Los nombres Luke Skywalker, Han Solo, Darth Vader y R2-D2 son tan familiares para la gente como JFK, Bob Dylan, Donald Trump y Siri, tal vez incluso más. Podría decirse que cada película de ciencia ficción que ha salido después ha sido una reacción a ella o un intento de recuperar la magia impresionante de la película. De cualquier manera, siempre nos ha dado el gusto por el drama, el romance, las hazañas y la moralidad ambientadas en una galaxia muy, muy lejana.

Metropolis (1927)

Hay múltiples razones por las que el romance alegórico de ciencia ficción del director Fritz Lang ha sido una influencia duradera en el cine de género. Pero comencemos con la escenografía maximalista, que inspiró los looks de Star Wars, Batman, Brasil y muchos, muchos más. Lang era un excelente narrador visual, que en la era del cine mudo demostró repetidamente que las películas podían combinar la complejidad de una novela con el destello de un espectáculo de magia. Aquí, reunió paisajes imponentes, efectos visuales de última generación y cientos de extras para una historia sofisticada sobre la relación potencialmente revolucionaria entre un joven privilegiado y un activista de la clase trabajadora, cada uno de ellos a su manera. por una sociedad tecnocrática estratificada.

Coescrita con Thea von Harbou, la esposa de Lang, quien también escribió el libro en el que se basa, la película se centra en los mecanismos literales y metafóricos de la era moderna. Se inspira en diferentes culturas y tendencias de la década de 1920, desde la imponente escala de los rascacielos art déco de Nueva York hasta el fervor socialista que entonces se extendía por Europa. Y parece inquietantemente profético con su visión de cómo la industrialización algún día puede hacer que sea difícil distinguir a las personas de los robots. Los artistas todavía se inspiran en la concepción de esta película de un mundo destinado a ser dominado por maquinaria titánica y brillantes palacios de placer, y donde el calor humano sobrevive incluso en las largas y frías sombras de los altos edificios.

Alien (1979)

Después de que la tripulación de la nave espacial Nostromo sale inesperadamente del estancamiento antes del final programado de su viaje, apenas se despiertan antes de que comiencen las quejas. Al igual que Dark Star (otra película con un crédito de guión de Dan O’Bannon), Alien ofrece una visión de viaje interestelar que es más rutinaria que una maravilla cósmica, hasta que, es decir, la tripulación se enfrenta a un pasajero inesperado en la forma de un criatura parásita. Comienza anidando dentro de un miembro antes de salir de su pecho; luego, lenta y metódicamente, comienza a eliminar a los demás. Resulta que el espacio no es un lugar alejado de la lucha darwiniana. El contraste entre el escenario metálico, creado por el hombre (aunque sucio) de Alien y un xenomorfo con el imperativo biológico de matar es solo un elemento que ha hecho que esta película de Ridley Scott se convierta en las pesadillas de todos los que la ven. (El diseño de la criatura de H.R. Giger, una inquietante combinación de huesos, sustancia viscosa e imágenes sexuales, es otro). Ripley, de Sigourney Weaver, comienza la película como uno de los varios personajes amenazados por el intruso de la nave; asegure su lugar en cualquier lista corta de los mayores héroes de la ciencia ficción. La vida es para los supervivientes. Incluso los xenomorfos lo entienden.

Blade Runner (1982)

Algunos aspectos del futuro según la versión radical de Ridley Scott de un cuento de Philip K. Dick, sobre un hombre llamado Deckard (Harrison Ford) que caza “replicantes” deshonestos en el año 2019, no se han hecho realidad: cuatro décadas después , Los Ángeles aún no se ha vuelto 100 por ciento vertical y la inteligencia artificial no ha llegado al punto en el que quiera matarnos (todavía). Pero su visión de un mundo estratificado donde los magnates de la tecnología alcanzan niveles divinos de poder se vuelve cada vez más profética, y a pesar de que la película fue considerada D.O.A. tras su lanzamiento, puedes ver su influencia en cada película de tech noir que presenta una arquitectura Art Deco decrépita, moda decadente y la lluvia silbando sobre el neón radiante que siguió. La reputación de la película, desde película de culto hasta clásico moderno, ha evolucionado mucho a lo largo de los años (ya no es difícil encontrar a alguien que pueda recitar palabra por palabra el monólogo “Lágrimas bajo la lluvia” de Rutger Hauer), y Scott recorre varias versiones antes de encontrar un director. aprobado Final Cut en 2007. Ahora, en su forma definitiva, Blade Runner termina con una nota inquietante pero extrañamente esperanzadora, encontrando al humano en un mundo posthumano.

2001: A Space Odyssey (1968) – Odisea del espacio

Stanley Kubrick nos ofrece lo que todavía se siente como el punto de referencia para el cine de ciencia ficción que te involucra en la mente, el cuerpo. , y alma. No es solo que su adaptación del cuento de Arthur C. Clarke “The Sentinel” se haya convertido en parte de nuestra conciencia colectiva, lo suficiente como para que Barbie pudiera comenzar con un riff extendido de una de sus escenas más famosas y todos entendieron el chiste. O que 2001 contiene lo que puede ser el mejor ejemplo de edición cinematográfica como forma de arte comunicativa en sí misma. O que lo más cercano que tiene la película a un antagonista, el autoconsciente superordenador HAL 9000 que descubre que las máquinas no son más inmunes a la neurosis y la malicia que sus programadores de carne y hueso, es el personaje con el que acabamos sintiendo más simpatía. hacia. “Daissss-yyyy… daisssss-yyyyy…”.

Más bien, es que Kubrick toma su increíble rigor formalista, sus habilidades cinematográficas y las convenciones de un género, y luego las aplica para plantear una serie de preguntas existenciales que siempre nos han hecho mirar hacia el cielo, y probablemente siempre lo harán. ¿Por qué estamos aquí? ¿Para qué servimos? ¿Quién o qué es Dios? ¿Existe vida inteligente más allá de la Tierra? ¿Puedo también convertir un hueso en un satélite simplemente lanzándolo al aire? El hecho de que el director obligara a los espectadores a considerar pacientemente estos conceptos filosóficos mientras tenía la audacia de poner la banda sonora de las naves espaciales con valses clásicos y bromear astutamente acerca de que el espacio es la última frontera del marketing corporativo no es sorprendente. Que Kubrick fuera capaz de hacer todo esto en una forma de arte popular, tocando la fibra sensible de un público ávido de material embriagador y que todavía se sienta vanguardista y resonante décadas después, es nada menos que divino. Hizo avanzar las películas de ciencia ficción de la misma manera que la baliza alienígena hizo avanzar nuestra especie.

Arrival (2016) – La Llegada

Los extraterrestres están aquí… pero ¿son amigos o enemigos? Esa pregunta urgente impulsa el sobrio drama de ciencia ficción de Denis Villeneuve, que equilibra lo cerebral y lo emocional con tanta gracia como esas naves espaciales interestelares que flotan justo sobre la superficie de la Tierra. Amy Adams es una lingüista que todavía llora la muerte de su hija cuando aparecen extraterrestres en todo el mundo, hablando en un lenguaje sofisticado que solo ella puede descifrar, es decir, si puede evitar que las superpotencias cautelosas le declaren la guerra a nuestros visitantes primero. Desde el elegante diseño alienígena hasta el elocuente revoltijo cronológico del guión, Arrival evita las tendencias más pulperas del género para ofrecer un retrato realista de la humanidad que enfrenta su destino, lo que lleva a un final que es a la vez alucinante y lacrimógeno.

Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004) – Eterno resplandor de una mente sin recuerdos

El angustioso pero encantador romance de Jim Carrey y Kate Winslet impulsa Eterno resplandor de una mente sin recuerdos. Dirigida por Michel Gondry, es una película que fácilmente podría haber descendido a una frivolidad de alto concepto si no fuera por las actuaciones del dúo como pareja que, por separado, intenta borrar de sus mentes los recuerdos del otro. Con Kirsten Dunst, Mark Ruffalo y Elijah Wood a cuestas, el elenco desarrolla un tono que recuerda a una comedia loca de Howard Hawks de la década de 1940. Sin embargo, la forma en que Carrey y Dunst confían en la tecnología para solucionar lo que creen que es un inconveniente menor (sentimientos no resueltos por el otro) sin comprender sus consecuencias que alteran la vida es un problema muy del siglo XXI que le da a Eternal Sunshine una relevancia desgarradora.

Minority Report (2002) – Sentencia previa

El director de E.T. el Extraterrestre se encuentra con el autor de Blade Runner, una pareja que sólo habría parecido simpática para los clarividentes en 1982. Pero dos décadas más tarde, Steven Spielberg puso de relieve sus impulsos más sentimentales para construir una superproducción negra a partir del modelo distópico de Philip K. Dick. Tom Cruise es el chico de oro de la división policial “precrimen”, una unidad dedicada a atrapar a futuros delincuentes antes de que hayan cometido sus delitos graves. Luego se convierte en sospechoso de un caso de asesinato que pronto sucederá, momento en el que el ex oficial al mando del grupo se convierte en un fugitivo más en fuga. La tecnología en pantalla ha demostrado ser tan profética como el material original, con todo, desde la interfaz táctil hasta los escáneres de iris y los métodos de predicción de delitos, saliendo del ámbito de lo especulativo hacia la realidad en los años posteriores.

Demolition Man (1993) – El Demoledor

Dentro de ocho años, todos comeremos solo Taco Bell, tendremos sexo virtual sin contacto y maldeciremos mucho menos. Bienvenido al año 2032, tal como lo imagina esta película de 1993 protagonizada por Sylvester Stallone y Wesley Snipes. Sly es un agente de la ley sin adornos de los años noventa descongelado fuera de estasis criogénica para capturar al supervillano de Snipes, con la ayuda del demasiado serio oficial del orden público de Sandra Bullock. Pero son las escenas (un “Salón de la Violencia” en un museo del siglo XX, un cantante de salón canturreando el jingle “The Jolly Green Giant”) y las bromas internas (“La Biblioteca Presidencial Schwarzenegger”, misteriosa etiqueta en el baño) las que hacen que Demolition Man es una fuente confiable de sentimientos de alegría hasta el día de hoy. Algunos dicen que incluso predijo con precisión nuestra realidad actual: ¿alguien quiere coches autónomos y reuniones por Zoom?

Independence Day (1996) – El día de la independencia

Es una película de desastres, una aventura de ciencia ficción con mentalidad conspirativa, una apasionante batalla en el espacio y propaganda patriótica sin excepción, todo ello presentado con una zalamería inteligente y un espectáculo gigantesco. Es una oda al poder de las estrellas, cortesía de Will Smith, en la cima de sus poderes, y de Cassandra, la favorita de la década, Jeff Goldblum. Es una película B de invasión alienígena de los años 50 ampliada a proporciones de película de verano de primera categoría. Para cuando Bill Pullman pronuncia su famoso discurso (“Quizás sea el destino que hoy sea el 4 de julio y una vez más estés luchando por nuestra libertad”), la audiencia está lista para recibir alguna venganza por haber volado la Casa Blanca. añicos. Los cínicos podrían decir que todo esto es una fórmula formulada por parte del director Roland Emmerich. Pero cuando los botones están diseñados con tanta habilidad, es un testimonio de lo que pueden lograr las convenciones de género gastadas, un poco de palomitas de maíz y mucha dopamina.

Jurassic Park (1993)

La novela de Michael Crichton de 1990 sobre dinosaurios clonados que corren salvajemente en un parque temático de una isla estaba destinada a la pantalla grande desde el momento en que el concepto entró en su cabeza. Pero fácilmente podría haberse convertido en un aburrido thriller pintado por números en manos de cualquiera que no fuera Stephen Spielberg. El director no sólo reunió a un elenco espectacular que incluía a Jeff Goldblum, Sam Neil, Richard Attenborough y Laura Dern, sino que también infundió a la historia un corazón genuino y trajo a un innovador equipo CGI que creó dinosaurios que aún parecen realistas (y aterradores). años después. No prestes atención a ninguna de las cinco secuelas. Ninguno de ellos se puede comparar ni remotamente con el original.

The Martian (2013) – Misión rescate

En teoría, esta historia de un astronauta (Matt Damon) atrapado accidentalmente en Marte encaja en la tradición de la ciencia ficción realista del futuro cercano. Sin embargo, la adaptación del director Ridley Scott y el escritor Drew Goddard de la novela de Andy Weir ahora parece la ficción especulativa más descabellada, ya que tiene lugar en una realidad donde el mundo felizmente se uniría para salvar la vida de un hombre, y donde la perspicacia científica y La búsqueda del conocimiento es universalmente aceptada como digna de respeto. Si puedes suspender tu incredulidad ante esas ideas, entonces te espera un entretenimiento con palomitas de maíz de gran presupuesto en su máxima expresión. Damon vuela maravillosamente solo durante gran parte de la película, atrayendo nuestra atención incluso cuando silenciosamente cultiva papas con su propia caca. Y está flanqueado por un elenco absurdamente profundo, entre muchos otros, Chiwetel Ejiofor, Jessica Chastain, Kristen Wiig, Jeff Daniels, Donald Glover, Sean Bean, Sebastian Stan, Benedict Wong, Michael Peña y Kate Mara, en su forma más simpática. Además, discoteca. Montones, montones de discoteca.

Back to the Future (1985) – Volver al futuro

Sí, el éxito de taquilla de 1985 es ante todo una comedia, con una premisa: ¿Qué pasaría si viajaras en el tiempo y tu madre quisiera tener sexo contigo? – todavía es difícil de creer que alguna vez se haya hecho. Y sin el carisma y el ritmo cómico de Michael J. Fox como el confuso adolescente Marty McFly, la rareza agresiva del Doc Brown de Christopher Lloyd, la lujuria sin remordimientos de Lorraine de Lea Thompson y… lo que sea que esté haciendo Crispin Glover como George, ninguno de ello funcionaría. Sin embargo, el guión de Bob Gale y el director Robert Zemeckis es muy observado por los suizos en su trama y en cómo aborda las complicaciones de tener un DeLorean que puede avanzar y retroceder en el tiempo cada vez que alcanza las 88 mph. Se grabó tan profundamente en la conciencia pública que otras películas sobre viajes en el tiempo, como Avengers: Endgame, presentan personajes cuyo conocimiento principal del tema proviene de Doc Brown.